Mi flujo de trabajo en LightRoom

Me preguntan a veces qué pautas sigo para organizar mis fotografías en el archivo digital. Esto es algo muy personal, y lo que yo hago no es necesariamente lo mejor, pero después de varios cambios he adoptado el siguiente flujo de trabajo.

1.- Descarga

Siempre sin excepción descargo las fotos de las cámaras desde Lightroom (LR). Es la mejor forma de que coincidan la biblioteca de tu editor fotográfico con la biblioteca del disco duro. Dado que este programa y otros similares trabajan con copias virtuales o metadatos de los archivos originales, si modificas la ubicación de archivos manualmente desde el explorador o descargas archivos sin que tu editor lo sepa, tu bilioteca LR no será coherente y acabarás perdiendo fotografías.

Este es el momento de hacer una copia de seguridad (mi Time Machine la hace automáticamente) y borrar la tarjeta de memoria de la cámara, para que esté libre para el próximo uso.

2.- Incubadora

Descargo todas las fotografías a una carpeta llamada incubadora. Aquí hago el etiquetado básico; el que puedo hacer por lotes.

Fotografía con modelos: haz un contrato

Antes o después, el fotógrafo iniciado tiene la oportunidad de practicar la fotografía con modelos. Lo más frecuente es que algún amigo o amiga se preste a ser fotografiado de manera menos “espontánea” de lo habitual, en un lugar elegido y con una ropa concreta. Y quienes estudian en una escuela pueden disfrutar de una primera sesión de estudio con un o una modelo más o menos profesional. A mí me gusta esta última modalidad que tiene las ventajas de la fotografía de estudio en cuanto al control total del entorno, en especial de las condiciones lumínicas y los fondos, y además proporciona un lugar cómodo en el que los modelos pueden cambiarse de ropa, retocar su maquillaje o practicar poses sin estar en la calle a la vista de cualquiera.

Lo más atractivo de esta modalidad de fotografía es la interacción entre fotógrafo y modelos, y sobre este asunto va mi reflexión de hoy, porque de que esto funcione bien depende que la sesión sea un éxito o, por lo contrario, un total fracaso. Lo más habitual en nuestros comienzos como fotógrafo de modelos es que estos no cobren por su trabajo pero, aunque cobren, el problema que se plantea suele ser el mismo: ni el/la modelo sabe bien qué espera del fotógrafo ni éste sabe qué espera de el/la modelo. Y esto da lugar a ciertas incomodidades al menos en la primera sesión, hasta que surge la confianza.

Godo hediondo !

Colegio San Ignacio, Las Palmas de Gran Canaria, Curso 1971-72

Este año conocí a Elena, una simpática alumna de acento canario. Charlar con ella hizo que viniera con fuerza a mi memoria algo que sucedió hace casi cuarenta años.

Cuando yo tenía nueve, mi padre consiguió un trabajo bien remunerado en Las Palmas de Gran Canaria y allí nos fuimos a vivir. Me adapté sin dificultad a aquella vida tranquila que propiciaba un clima benigno y me adapté con facilidad a mi nuevo colegio.

Pero en los recreos me cruzaba con un compañero que me espetaba a la cara: “godo hediondo”. Una y otra vez, uno y otro día durante todos los del curso, aquel chico al que yo no conocía de nada me miraba con cara de rabia y me llamaba godo hediondo.

Entonces eran habituales las peleas entre chiquillos; dos o más chavales se enzarzaban a trompazos y sólo paraban cuando les separaban los compañeros, cuando aparecía un adulto o cuando alguno se hacía daño de verdad. Yo nunca participé en ninguno de esos ritos viriles; no tenía la valentía o la temeridad necesarias, y mi carácter pacífico y tranquilo me impedía participar de esos espectáculos más que como espectador de la fila de atrás.

Pero escuché una conversación de mayores y me enteré de que la expresión “godo hediondo” era un insulto, y no de los menores, dedicado a los venidos de la Península. Y mi resentimiento contra aquel chico empezó a superar mi aversión a las peleas. Así que la siguiente vez que me lo crucé en el patio del colegio no tuvo ni tiempo de dirigirme la palabra, porque me abalancé sobre él, con la mala suerte de que le desmonté del marco un cristal de sus gafas. El borde del cristal le hizo un pequeño corte del que manó una minúscula gota de sangre. Yo me quedé aterrorizado por lo que había hecho y le pedí perdón repetidamente mientras me miraba asustado por mi súbita reacción. Afortunadamente, ningún profesor tuvo noticia del suceso, porque nadie se chivó.

Fue una pelea vergonzosa en la que hubo violencia pero no golpes. Me produjo una duradera culpabilidad sólo mitigada por el sorprendente efecto de lo sucedido: aquel chico no sólo dejó de insultarme, sino que empezó a saludarme e incluso, pensé yo, a tratarme con cierto respeto.

Lo más curioso de esta historia es que es la primera vez que la cuento a alguien en cuarenta años.

¿Qué es un fotógrafo?

A menudo, quienes nos dedicamos a la fotografía nos preguntamos qué es en realidad un fotógrafo, si nos podemos presentar ante un desconocido como fotógrafos, si podemos atribuirnos esta definición en un curriculum o en nuestra presentación en la web.

Según el diccionario de la Real Academia Española, fotógrafo es el que hace fotografías o el que tiene por oficio hacerlas. Sin embargo, sabemos por intuición que es un poco excesivo denominar fotógrafo al turista que hace instantáneas ocasionales con una compacta. Y es que hoy cualquiera hace fotos, porque las cámaras digitales se han popularizado, son cada vez más baratas y, al menos en modo automático, “hacen fotos solas”. Es más, si hace unos años los equipos profesionales sólo estaban al alcance de unos pocos, hoy te puedes encontrar con personas que tienen equipos de alta gama que no saben usar.

Mi estudio casero

Hoy quiero compartir con vosotros mi “cómo-se-hace” cuando nos iniciamos en el mundo de las fotografías de estudio.

El estudio tiene una inmensa ventaja sobre otras formas de fotografía: permite controlar la luz. Adicionalmente, el estudio permite elaborar la composición con toda la tranquilidad que no es posible en otras modalidades fotográficas. Puedes decidir qué va en cada sitio, qué fondo quieres y cómo quieres iluminar todo eso. Y puedes llegar a hacer fotografías muy gratificantes, de las que vale la pena enmarcar y colgar de la pared del salón.

Lo más lógico es ir adquiriendo equipo a medida que se vaya necesitando, e invertir en cosas que sabemos que vamos a amortizar, bien porque las vamos a usar mucho, bien porque se pagan solas si estamos haciendo encargos profesionales para un cliente. Yo he optado por las cosas baratas. Cada encargo exige fondos de colores y texturas diferentes, así que suelo utilizar telas que compro al peso y de oferta. Luego están las tiendas de suministros plásticos, como Resopal, donde se encuentran materiales traslúcidos para tamizar la luz de foco o natural, opacos para reflectantes, superficies mates o brillantes para los fondos… En la ferretería he conseguido unas pinzas de muelle que creo que se llaman mordazas (marca Wolfcraft) que utilizo mucho. También uso pinzas de papelería, o de la ropa. Y en las tiendas de manualidades se encuentra el resto.

Os voy a enseñar dos configuraciones. La primera es la del salón, para retratos. Como tengo alergia al polvo, prescindí de cortinas en el salón, y en su lugar puse un estor plástico de Gradulux que ha resultado ser un excelente fondo.

1. Fondo plástico mate en color neutro crudo que no da reflejos.
2. Foco sobre el fondo que lo hace desaparecer e ilumina al modelo desde atrás.
3. Paraguas (normalmente blanco o plata).
4. Segundo flash con ventana difusora.
5. Cámara sobre trípode.

La segunda configuración es la del estudio de sobremesa, para bodegones y cosas por el estilo.

1. Lámina de PVC blanco a la que doy forma con dos cordones que regulo con dos pinzas
2. Utilizo palillos para marcar posiciones para poder manipular lo que fotografío y volver a ponerlo en su lugar.
3. Cutrerreflector que era parte de un embalaje, que cualquier cosa vale.
4. Foco trasero (imprescindible para fotografiar comida).
5. Luz cenital con difusor.
6. Cámara sobre trípode. Dispara el flash de arriba por el cable rojo y el trasero por simpatía.
7. La cámara va conectada por cable USB al ordenador, desde donde la opero con Lightroom y disparo. Así veo en tiempo real los resultados y puedo hacer pequeños ajustes.
8. Tableta gráfica, aunque para todo esto el ratón es suficiente e incluso más cómodo.
9. Imprescindible un cuaderno en el que apuntar los parámetros que se han usado y los nombres de los archivos que valen, o que te aprueba el cliente. Si no, te vuelves loco y además luego no sabes qué facturar.

Y como en todos los campos de la vida, si estudias un buen libro tu técnica mejorará rápidamente. El que más me ha gustado por su enfoque y porque enseña cómo iluminar diferentes materiales es “La iluminación en la fotografía”, de Paul Fuqua, Fil Hunter y Steven Biver. Yo lo tengo en inglés, pero Anaya lo ha editado en castellano y se puede encontrar por 41,80.-€ en FNAC.

Y ahora, a practicar !!!

Don Wislow, Muerte y vida de Bobby Z, Random House Mondadori 2011

Después de unos meses incapaz de leer nada por falta de tiempo, he vuelto a visitar a mi infalible proveedor de lecturas, Jacobo Merino, de la librería universitaria OMM Campus. Es curioso, pero su tío Ignacio me recomendaba lecturas hace 30 años y ahora lo hace el sobrino (algún día contaré esto). La cosa es que he viajado en mis vacaciones de Semana Santa con sus tres sugerencias: Muerte y vida de Bobby Z, EL hombre del revés y Solar. He leído sólo el primero y, como viene siendo ya una tradición, la recomendación ha sido todo un éxito.

Muerte y vida de Bobby Z es una novela trepidante, de las que quieres beberte en una tarde pero a la vez deseas que no se acabe. Es pura acción narrada con brillantez, en un estilo que, a pesar de tener un toque de cómic, es perfectamente creíble.

Como es una narración que se visualiza perfectamente, la tentación de llevarla al cine era inevitable. La edición que yo he leído es de 2011, pero el original en inglés fue publicado en 1997, y fue adaptado al cine ese mismo año por el director John Herzfeld y protagonizada por Paul Walker, Laurence Fishburne, Jason Lewis, Keith Carradine, Joaquim de Almeida y Olivia Wilde. La película obtuvo unas críticas penosas, y para entenderlo basta con ver el tráiler en Youtube. Parece que el director se quedó sólo con la acción y la empaquetó en un envoltorio comercial, pero la novela es algo más: tiene un ácido sentido del humor; es un guión que yo entregaría a Tarantino o a los hermanos Coen para hacer una gamberrada visual, puro entretenimiento, pero con estilo.

Tim Kearny es un preso multirreincidente que se enfrenta a la prisión de por vida y a una casi segura muerte a cargo de otros internos cuando es sacado de la cárcel por un agente de la DEA para sustituir en un canje a un traficante de drogas con el que tiene un asombroso parecido físico. Lo que sucede a partir de ese momento es un puro delirio, con una trama que mantiene al lector en suspense hasta el sorprendente desenlace.

Por cierto, cosa que se agradece, el texto original está muy bien traducido (Eduardo G. Murillo).

Muy recomendable.

Barbaridades en los exámenes

Llevo ya muchos años enseñando en la Universidad. He tenido que leer muchos exámenes. Y he leído en ellos cosas que merecía la pena recordar: gazapos, errores ortográficos, horrores conceptuales y atrocidades jurídicas que me llamaron la atención lo suficiente como para anotarlos. Un día pasé estas anotaciones al ordenador, y están ahora en un archivo que ha ido creciendo durante los últimos años.

Son muchos los errores que uno encuentra en los exámenes. Unos se deben a los nervios de quien se examina; otros, a la falta de estudio. No he coleccionado todos, sino aquellos cuyo nivel de despropósito los sitúa en la categoría del desvarío humano. En otras palabras, he guardado aquellos que me han hecho reír, y los he agrupado en tres capítulos: conceptos inventados, frases ilustres y horrores ortográficos. Disfruten ustedes de este repertorio de disparates.

Objetivos para la Canon 5D Mark II

Me pregunta mi querida Inoni qué objetivos recomiendo para su flamante Canon 5d Mark II, y me pone en un compromiso porque ¡anda que no se han escrito cosas sobre el formato completo! Por eso hago aquí un aviso previo: este post no tiene ningún dato técnico ni método científico, porque se basa sólo en mis impresiones subjetivas como usuario de esta cámara.

Como sabéis, los soportes fotográficos han ido experimentando una reducción de tamaño por razones prácticas. Los primeros materiales fotosensibles impregnaban grandes placas de cristal y requerían animales de carga para ser transportados. La mejora en las ópticas permitió ir reduciendo el tamaño de esos cristales, que siguieron siendo pesados y frágiles. Todavía hay por casa alguna diapositiva en cristal de la década de los 50 del pasado siglo. La invención del celuloide y de los soportes plásticos supuso una reducción de peso importante, y permitió una mayor movilidad del fotógrafo.

Coexistiendo con formatos mayores, la popularización de las cámaras tipo réflex a partir de los 70 impuso el estándar denominado 35 milímetros: un fotograma rectangular de proporción 3×2 cuyo lado más largo mide 35 mm. Las razones por la que se impuso este estándar son varios: la proporción 3×2 es estéticamente natural y agradable a la vista (probablemente, es lo más parecido a cómo vemos) y el negativo permite ampliaciones de bastante tamaño sin resentirse la calidad. Y así, durante varias décadas el formato 35 mm fue el más utilizado. Hasta la llegada de la fotografía digital.

Mario Testino, “Todo o Nada”, Museo Thyssen Bornemisza (Madrid)

Esta semana he visitado, acompañado de buenos amigos, la exposición fotográfica de Mario Testino en el Thyssen. Son 54 fotografías de gran formato. Hay fotografías de moda y desnudos, pero las protagonistas son siempre mujeres.

Mario Testino (Lima, 1954) es conocido principalmente por su trabajo en el mundo de la moda. Ha trabajado para Vogue, Vanity Fair y otras revistas del sector y ha retratado a parte de la realeza británica. Ha fotografiado a las modelos más consagradas y a actrices famosas. Es autor de varios libros y de exposiciones en importantes museos.

Todas las fotografías que componen la exposición son de gran formato, de al menos un metro de largo, lo que les aporta cierta grandeza y a la vez invita a acercarse a ellas para apreciar los detalles. Muchas de las fotografías sorprenden por su resolución, por su nivel de detalle. Son reproducciones de altísima calidad, muy cuidadas. Las fotografías en color se han imprimido en un papel de satinado metálico que les da viveza, mientras que las obras en blanco y negro utilizan como soporte una especie de cartulina rugosa que les aporta profundidad.

La calidad técnica de las obras expuestas es irreprochable. El trabajo de iluminación es impresionante en cada una de las fotografías y los retoques pasan en general desapercibidos.

La calidad artística de la exposición es indudable. Testino recuerda en ocasiones a Richard Avedon, a quien parece homenajear en alguna fotografía. Sus modelos son las más cotizadas top-models y celebrities, y las trata como tales. En cada obra está la huella de un ejército de maquilladores y estilistas. Y es que a Testino le interesa la estética sobre todas las cosas. Trata a las mujeres como objetos bellos, como deidades, y no busca reflejar su alma. Una misma modelo puede resultar irreconocible en dos fotografías distintas. Sus obras buscan transmitir la belleza y la perfección, no pretenden contar ninguna historia. Cuando hay atrezzo, está al servicio de la estética, y no de la narración, que no existe.

Me viene a la cabeza Jeanloup Sieff, que también hizo moda y desnudos, pero su visión de la mujer es radicalmente distinta. Sieff penetra en la psicología de sus modelos, busca su complicidad, establece una relación íntima con ellas, las convierte en objetos de deseo. Por el contrario, Testino las presenta como objetos de contemplación. La visión de Testino como fotógrafo está condicionada por la industria en la que trabaja.

El precio de la entrada es 5.-€ y tenéis hasta el 9 de enero de 2011 para disfrutar esta magnífica exposición.

Paul Auster, Mr. Vértigo, Anagrama 2007

Quienes seguís estos comentarios sabéis de mi devoción por Paul Auster, así que no esperéis que sea demasiado objetivo, pues este libro me ha gustado mucho. Y según leo por ahí, se trata de un autor que no deja indiferente a nadie, pues despierta por igual intensas filias y fobias.

Suelo tomar notas en un pequeño cuaderno mientras leo, para no olvidar lo que me sugiere la lectura y poder luego hacer estos comentarios con un poco de fundamento. No lo he hecho con esta novela, en parte por pereza y en parte porque la he leído deprisa. Pero es una de esas novelas que dejan un profundo recuerdo y que volveré a leer algún día.

La novela narra la historia de Walt, un niño al que el Maestro Yehudi enseña a levitar y a volar en un penoso proceso de aprendizaje. Se embarcan en una fantástica gira por los Estados Unidos de los felices años veinte.

A mi entender, la historia es deudora de la picaresca española del Siglo de Oro por su crudo realismo que, a la vez, es un realismo mágico. He tardado en darme cuenta de esto, y lo he hecho de forma u tanto inconsciente, puesto que al acabar con esta novela decidí continuar con el Lazarillo de Tormes, que es lo que me está ocupando ahora, y ha sido esta última lectura la que me ha abierto los ojos a la relación entre ambas obras y sus personajes: Walt el Niño Prodigio y el Lazarillo.

En edición de tapa blanda, esta novela no cuesta más de 9 euros, así que os animo a leer esta reflexión inolvidable sobre los deseos más elevados del hombre y el lastre de sus miserias.